En clase de Plástica de 6º de Educación Primaria siempre había un grupo que me preguntaba ¿podemos crear nuestra firma en el trabajo?.
A partir de esta pregunta tuve una idea para que todospudieran diseñar el pictograma de su nombre y firmar sus trabajos de una forma personal.
Se me ocurrió explicarles qué era un pictograma a partir del antiguo Egipto y que allí existían unas personas los escribas, que redactaban sucesos, copiaban, contabilizaban y lo hacían usando unsistema de imágenes opictogramasaestas imágenes se les llamó jeroglíficos.
Al principio los símbolos representaban seres humanos, plantas, objetos y cuerpos celestes pero, poco a poco, los jeroglíficos fueron evolucionando hasta representar sonidos y letras de modo similar a las de nuestro alfabeto.
La letra, signo que sirve para representar sonidos de nuestras lenguas, es el vehículo de la comunicación. El punto de partida es la imagen. Desde los orígenes se realizaron signos para transmitir mensajes, la imagen fue el lenguaje común de la humanidad y así lo indican multitud de representaciones desde la prehistoria.
Para desarrollar la idea utilizamos la representación egipcia
Aquí podéis ver que símbolos utilizaban:
Imagen de "La historia es divertida"
Puesta en práctica
Cuando losniños entiendan qué es un pictograma y que cada letra puede transformarla en un dibujo ahí empieza el diseño de su nombre.
A continuación podéis ver tres pictogramas realizados por niños del último curso de primaria
Lucía
Lucía me comentó que para la tilde dibujó una semilla en un lateral de la i y que la L tenía un pequeño parecido.
Yaiza
En este nombre podéis ver que hay dos pictogramas iguales ya que se repite la letra a
Samuel
En este tercer pictograma Samuel varió mucho el tamaño de las letras, ya que es otra de las muchas posibilidades.
Importante
Estos pictogramas de sus nombres no son un lenguaje transmitido por imágenes, ya que cada niño inventó un dibujo para cada letra y por lo tanto no hay unificación entre todos.
Podríamos llamarlo "firma personal" que nos diferencia de los demás y puede ser el primer paso para la firma graffiti.
Deborah Gaston, directora de educación en el Museo Nacional de Mujeres Artistas, afirma: "Cuando se analiza la forma en que se ha escrito la mayor parte de la historia del arte, si se menciona a las mujeres, se las menciona de pasada"
En el siguiente vídeo la Historiadora del Arte, Sara Rubayo Martínez nos explica ¿Por qué NO HAY Mujeres Artistas en la Historia del Arte?
El citado Museo es el único dedicado exclusivamente a defender a las mujeres a través de las artes, fue creado por un matrimonio estadounidense sorprendidos por el "olvido" de las mujeres en la historia del arte.
A continuación expongo un pequeño grupo de tres mujeres-artistas olvidadas que han tenido un gran impacto en el arte moderno.
Marie Laurencin
Nació en París en1883, fue educada por su madre y con 18 años se inicio en el arte estudiando la pintura de la porcelana en Sévres.
A su regreso a París, continuó sus estudios de arte en la Academie Humbert, donde conoció a Georges Braque, uno de los fundadores del Cubismo.
Es una de las pocas pintoras cubistas, junto con Sonia Delaunay, aunque ella no se consideraba cubista, su obra se identifica por la estética, sus tonos pastel y las figuras esbeltas.
En los primeros años del siglo XX fue una figura importante en "avant-garde" parisino, siendo miembro del círculo al que pertenecían Pablo Picasso y los cubistas de la "Sectión d´Or", entre sus componentes encontramos a Robert Delaunay, Marcel Duchamp, Albert Gleizes, Francis Picabia... pero a Maria Laurencinno fue tomada en serio como artista por sus compañeros pintores, aunque realizaron exposiciones conjuntas.
En 1983, coincidiendo con el centenario de su nacimiento, gracias a un coleccionista y mecenas japonés se inauguró el Musée Marie Laurencin, en la ciudad de Nagano, Japón, convirtiéndose en el único museo del mundo dedicado a una mujer artista, en él podemos encontrar cientos de pinturas, acuarelas, dibujos, grabados y libros ilustrados.
Aleksandra Exter
También conocida como Aleksandra Aleksandrovna Ekster, nació en Polonia en 1882.
En el transcurso de su educación, estudió idiomas, música y arte, en la Escuela de bellas Artes de Kiev, allí conoció a artistas de la vanguardia rusa.
En 1908 se casó y se fue a vivir a París, donde Exter estudió un tiempo en la Academia Grande Chaumière, de ahí que sus primeras obras estuvieran marcadas por la influencia impresionistas de Paul Cézanne y el cubismo.
Más adelante expresó a la Academia su total desacuerdo con la visión artística de la institución por lo que fue expulsada.
El estilo deAleksandra Exter se hizo cada vez más radical y vanguardista, siguió con el futurismo, el cubofuturismo, el arte no objetivo con pinturas abstractas de paisajes, bodegones, el constructivismo, el trabajo escénico y la ilustración de libros, una incansable creadora.
A continuación os presento un vídeo con una exposición de las obras más representativas
Natalia Goncharova
La gran Natalia, nació en 1881 en Rusia, cerca de Moscú, una más de las pintoras que ha permanecido inexplicablemente en el olvido, una más de la lista de las desconocidas, válidas e importantes artistas ignoradas.
Su producción pictórica es ingente y muy variada y cruza sin complejos el diseño, el arte, la moda, la ilustración y el grabado.
En la casa familiar coleccionaban iconos y Natalia realizaba cuadros inspirados en esos iconos, personalizándolos a su manera.
Evidentemente tuvo problemas por recrearlos, ya que "los iconos solo los pintaban los hombres".
Cuando expuso su obra religiosa en Moscú fue ubicada en una habitación aparte de las demás obras, pero en San Petersburgo ni eso, la exposición fue censurada.
Una mujer como ella no encajaba en la Rusia imperial, considerada siempre una artista radical y no integrada en los circuitos artísticos.
No se le atribuye ningún estilo, y de encuadrarla habría que inventarlo, una especie de "todología" . Se interesa por todo y lo mezcla todo, tanto estilos como temas como fuentes, de ahí la invención del Rayonismo, que según decía la Natalia era la mezcla del cubismo abstracto y colorista con el futurismo.
A continuación podemos ver unos ejemplos de su "interés por todo" y un vídeo con un pequeño recorrido por su variada obra.
Exposición en el Tate Modern (Museo Nacional Británico de Arte Moderno) en Londres
Hace unas semanas me puse a revisar actividades para realizar este próximo curso, en las clases de plástica, del Colexio Andersen de Vigo y estuve investigando sobre como podría volver a trabajar con Piet Mondrian, pero de una forma distinta a otros años, para en primer lugar poder divertirme yo, si yo me divierto, me ilusiono y creo en lo que hago, los niños se divierten y aprenden.
En una de esas incursiones en internet, buscando información sobre Mondrian, me encontré con esta artista Hilma af Klintque no conocía, pero que me impresionó por como y que pintaba, además, según los investigadores fue la primera persona que invento la abstracción. Además era mujer, hay que pensar que en la Suecia de finales del siglo XIX a las mujeres se "permitía"que asistieran a la educación artística pero en otros países llegaba a estar prohibido su asistencia.
Me puse manos a la obra y empece a leer todo lo que pude sobre Hilma af Klint "mi fantástico descubrimiento".
Hilma af Klint era una absoluta desconocida hasta la primavera del año 2013 cuando el Moderna Museet de Estocolmo, le dedicó su primera retrospectiva, doscientas cincuenta de sus más de mil obras para dar a conocer a esta pintora.
Hilma exigió como última voluntad, que su obra abstracta no fuese mostrada al público hasta veinte años después de su muerte,"porque estoy segura de que no iba a ser comprendida". Pintó para el futuro y según Iris Müller-Westermann "el futuro es ahora".
La desconocida Hilma rompió con la figuración antes que Kandinsky, Mondrian y Malévich.
El propio Kandinsky se autoproclamaba sin rubor como el primer autor de un cuadro no figurativo, que habría firmado allá por el 1911.
Primer cuadro abstracto de Kandinsky 1911
Lo que Kandinsky no sabía es que unadesconocida pintora suecaHilma af Klint
se le había adelantado, rompiendo con el lenguaje figurativo por lo menos cinco años antes que él.
Primer cuadro abstracto Hilma af Klint 1907
"La obsesión por decir quién vino primero, no me parece interesante. Pero que ella pintara así, años antes que lo hiciera Kandinsky invalida los estereotipos sobre las mujeres artistas. Se decía que eran capaces de copiar, pero no de abrir nuevos caminos. Hildademuestra que es totalmente falso"
Iris Müller-Westermann, comisaria de la exposición.
Hilma af Klint nació el 26 de octubre de 1862 en Solna municipio de Estocolmo (Suecia), comienza sus estudios primero en la Escuela Técnica de Estocolmo y después entre los años 1882 y 1889 asistió a la Real Academia Sueca de las Artes.
Allí Klint realizó tanto retratos como paisajes de estilo naturalista.
Autorretrato
Hay un hecho fundamental en la vida y en el arte de Hilma af Klint, la muerte su hermana pequeña, marca el inicio en el espiritismo y la visión de lo oculto, de la que ya era aficionada, comienza a leer textos teosóficos, y se hace miembro de la Sociedad Teosófica, este tipo de intereses serán fundamentales en su obra.
Cuando estudiaba en la Real Academia Sueca de las Artes conoció a Anna Cassel y junto a tres amigas formaron el grupo De Fem ("Las Cinco"). Este grupo empieza a reunirse y a realizar sesiones de espiritismo, en las que utilizaban el arte y los dibujos como medios de expresión. Hilmaregistró los resultados de sus sesiones en en una serie de cuadernos.
Hay que destacar de Hilma su especie de doble vida artística, es decir, crea sus obras oficiales, retratos, paisajes de moda en la época con los que llegó a ser una pintora reconocida, y después estaban las que creaba en su intimidad, sus cuadros abstractos.
Creó estas obras sin bocetos sin ideas previas, de forma muy rápida, siguiendo los procedimientos del dibujo automático. Hilma afirmaba que en una de estas sesiones de espiritismo, un ser espiritual le indicó que debía pintarlas como si fuera un medium. Poco a poco, fue introduciendo en sus obras elementos simbólicos relacionados con el ocultismo, de difícil interpretación, que las colocaba en un plano de misterio.
A nivel pictórico, desarrollo un lenguaje abstracto geométrico, muy afín al que estaban practicando en ese mismo momento pintores como Mondrian, Malévich o Kandinsky, con el que según se dice no tubo ningún tipo de contactos.
A continuación podéis ver los videos de la presentación de la exposición de "Hilma af Klint, la Pionera de la Abstración" en los Museos:
Museum Hamburger Bahnhof de Berlín
Lousiana Museum
Para terminar.
Es interesante saber que igual que Hilma af Klint, Mondrían y Kandinski se interesaban profundamente por la teosofía, (movimiento filosófico-religioso-esotérico) es decir que la teosofía era algo que estaba de moda en aquellos años e Hilma era una más, que había incluido en su vida y en sus obras ese movimiento.
Para saber más.
En este vídeo podéis hacer un recorrido, muy bien explicado, de la vida y obra de Hilma por Sara Rubayo, Licenciada en Hª del Arte y en la página: https://sararubayo.es/
La Fundación Varkey entregó su premio al mejor profesor del mundo "Global Teacher Prize", conocido como el "Nobel de Educación", que recayó en la profesora Andria Zafirakou.
Esta profesora imparte clases de Artey Textiles en la escuela de secundaria Alperton Community School en el barrio de Brent, en el área metropolitana de Londres, uno de los más étnicamente diversos y pobres del Reino Unido.
El85% de los alumnos de Alperton no habla inglés en casa, y en totalen el centro se escuchan 35 idiomas. "A través de la Educación Artística, los jóvenes expresan sus preocupaciones, sueños y miedos. La clase funciona como una especie de terapia con la que la niños se enfrentan a su día a día y afrontan las situaciones complicadas que viven fuera del las aulas".
Según Andria Zafirakou, el arte trasciende el lenguaje y por esta razón, no solo les permite desarrollar habilidades, sino que también les ayuda a mejorar la confianza y autoestima que necesitan para cumplir diversos objetivos.
Adria considera que su curso de arte "es poderoso", "Ayuda a los estudiantes a desbloquear todas sus barreras idiomáticas". Ella nos dice "he conseguido que la clase de Arte sea un espacio de empoderamiento de los estudiantes, que no tienen que demostrar su dominio del inglés, matemáticas u otra asignatura para ser excelentes".
Una de las cosas más importantes en la educación es la imaginación, dedicación y esfuerzo.
Además cuando Zafirakou se percató que sus alumnos vivían en casas abarrotadas de personas y que tenían poco tiempo para hacer sus deberes, decidió cambiar el sistema del colegio. Amplió su jornada y logró que varios profesores dieran clases de apoyo los fines de semana.
Creó un equipo de críquet femenino y otro de boxeo. también organizó un coro musical somalí. E involucró a sus estudiantes en grupos de matemáticas.
Dice Adria, me imaginé que era uno de mis alumnos y se me ocurrió que si aprendiese unos conocimientos rudimentarios de los 35 idiomas que se hablaban en clase, cada mañana podía recibirlos con un saludo en su lengua materna y eso hizo que pudiese acercarme a ellos y a sus particularidades.
Pero quizá uno de los mayores éxitos está en la seguridad escolar.
Andria Zafirakou en compañía de agentes policiales, se sitúan a la salida del instituto, para protegerlos, de grupos del exterior, que se aprovechan de ellos al ser personas muy vulnerables ya que la mayoría eran recién llegados o que no se defendían bien en el idioma o en la nueva organización social.
En la búsqueda de actividades para realizar con los niños del en Educación Plástica me encontré en una publicación una serie de imágenes de esculturas del un pintor, Esteban Vicente, a las que él las llamaba Divertimentos o Juguetes y coincidió que el museo en aquellos momentos las estaba exponiendo y fui a visitarlo.
Cual fue mi sorpresa encontrarme con unas esculturas de pequeño formato y muy comprensibles para los niños por su "aparente" simplicidad en su construcción, y la seguridad de que los niños iban a divertirse construyéndolas.
"Pintar cuesta mucho trabajo", afirmaba Esteban Vicente, necesitaba una válvula de escape, que él materializaba con estas pequeñas estructuras que él llamaba "divertimentos". Los divertimentos representaban una forma de jugar con el lenguaje del arte.
Donde Picasso creaba pequeñas "esculturas" que se convertían en juguetes, Vicente hacía "juguetes" que se convertían en esculturas.
La elaboración de las esculturas por su parte fue muy lenta, treinta años separa elaboración de los primeros a los últimos "Toys" como él los llamaba y su realización no estaban pensadas para exponer, por lo que no se conocieron hasta después de su fallecimiento.
Puesta en práctica
Les repartí a los niños listones y tacos de madera de distintos tamaños, pero estos podían cambiarlos por otros que había en clase o intercambiarlos con los compañeros.
Cuando tenían elegidos las piezas, había dos posibilidades para realizar la escultura:
1ª Unir las piezas con pegamento da resultado la cola de carpintero rápida y pintar después.
2ª Primero pintar los tacos que iban a utilizar y después pegarlos.
Para ampliar
En la página del Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, podéis encontrar un Taller creativo sobre Juegos en el Espacio , desarrollado en pdf y vídeo en él van describiendo paso a paso la elaboración de las esculturas por los niños. Os recomiendo que hagáis la prueba, merece la pena.
A continuación os presento el vídeoJUEGOS EN EL ESPACIOTaller de creatividad y el pdf, realizados por el Museo Esteban Vicente.
En la página del museo podemos encontrar todo lo que nos interese respecto al artista además de exposiciones y recursos didácticos como el que vemos en la siguiente imagen
Hoy voy a presentaros una actividad diferente para la clase de Educación Plástica, el "Cuenta Historias".
En el Cuenta Historias no se pueden utilizar ni letras, ni palabras, pero sí puntos, líneas, círculos, triángulos...
¿Pero qué es el Cuenta historias, sin utilizar ni letras ni palabras?
Si utilizan puntos por ejemplo, lo que tienen que conseguir es que cuando terminen el cuadro nos cuente algo o nos digan ellos que han querido contar, los puntos pueden ser grandes o pequeños, vacíos, llenos o de distintos colores, según sea el tamaño, la forma o el color de estos, la historia puede ser muy distinta.
Esto mismo pueden realizarlo con las líneas, con triángulos...
Vamos a practicar
Se les reparte a los niños el tamaño de papel que ellos se sientan más seguros y en él realizan su cuadro sobre el Punto, además podemos inventarnos un nombre "elPuntismo".
Ahora van a realizar el Cuentarte con líneas.
¿Y cómo pueden ser esas líneas?como en el cuadro del Punto, de todas las formas que quieran, finas, gruesas, largas, curvas, rectas, onduladas... y además puedes inventar líneas.
E igual que con el punto al finalizar el cuadro podremos interpretarlo nosotros o que nos cuenten lo que han querido decir.
Vamos a soñar formas nuevas
Según los niños vayan encontrándose más seguros podemos "jugar soñando" nuevas formas, como el triángulo o el círculo (Pequeño, grande, uno dentro de otro, uno cortando al otro...) e introducirlas con los puntos y líneas y así seguir soñando.
Tener en cuenta que podemos trabajar en superficies rugosas, lisas, pequeñas o grandes.
No os olvidéis de jugar con el collage (de telas, madera, cuerdas, cartón...), temperas, tizas, colorantes...
Y para que sea más divertido podemos pintar-jugar-soñar en grupo cooperativo, tres o cuatro niños tienen que llegar a un acuerdo de que forma realizar el cuadro, materiales a utilizar... y lo firmarán todos como autores.
