En clase de Plástica de 6º de Educación Primaria siempre había un grupo que me preguntaba ¿podemos crear nuestra firma en el trabajo?.
A partir de esta pregunta tuve una idea para que todospudieran diseñar el pictograma de su nombre y firmar sus trabajos de una forma personal.
Se me ocurrió explicarles qué era un pictograma a partir del antiguo Egipto y que allí existían unas personas los escribas, que redactaban sucesos, copiaban, contabilizaban y lo hacían usando unsistema de imágenes opictogramasaestas imágenes se les llamó jeroglíficos.
Al principio los símbolos representaban seres humanos, plantas, objetos y cuerpos celestes pero, poco a poco, los jeroglíficos fueron evolucionando hasta representar sonidos y letras de modo similar a las de nuestro alfabeto.
La letra, signo que sirve para representar sonidos de nuestras lenguas, es el vehículo de la comunicación. El punto de partida es la imagen. Desde los orígenes se realizaron signos para transmitir mensajes, la imagen fue el lenguaje común de la humanidad y así lo indican multitud de representaciones desde la prehistoria.
Para desarrollar la idea utilizamos la representación egipcia
Aquí podéis ver que símbolos utilizaban:
Imagen de "La historia es divertida"
Puesta en práctica
Cuando losniños entiendan qué es un pictograma y que cada letra puede transformarla en un dibujo ahí empieza el diseño de su nombre.
A continuación podéis ver tres pictogramas realizados por niños del último curso de primaria
Lucía
Lucía me comentó que para la tilde dibujó una semilla en un lateral de la i y que la L tenía un pequeño parecido.
Yaiza
En este nombre podéis ver que hay dos pictogramas iguales ya que se repite la letra a
Samuel
En este tercer pictograma Samuel varió mucho el tamaño de las letras, ya que es otra de las muchas posibilidades.
Importante
Estos pictogramas de sus nombres no son un lenguaje transmitido por imágenes, ya que cada niño inventó un dibujo para cada letra y por lo tanto no hay unificación entre todos.
Podríamos llamarlo "firma personal" que nos diferencia de los demás y puede ser el primer paso para la firma graffiti.
Deborah Gaston, directora de educación en el Museo Nacional de Mujeres Artistas, afirma: "Cuando se analiza la forma en que se ha escrito la mayor parte de la historia del arte, si se menciona a las mujeres, se las menciona de pasada"
En el siguiente vídeo la Historiadora del Arte, Sara Rubayo Martínez nos explica ¿Por qué NO HAY Mujeres Artistas en la Historia del Arte?
El citado Museo es el único dedicado exclusivamente a defender a las mujeres a través de las artes, fue creado por un matrimonio estadounidense sorprendidos por el "olvido" de las mujeres en la historia del arte.
A continuación expongo un pequeño grupo de tres mujeres-artistas olvidadas que han tenido un gran impacto en el arte moderno.
Marie Laurencin
Nació en París en1883, fue educada por su madre y con 18 años se inicio en el arte estudiando la pintura de la porcelana en Sévres.
A su regreso a París, continuó sus estudios de arte en la Academie Humbert, donde conoció a Georges Braque, uno de los fundadores del Cubismo.
Es una de las pocas pintoras cubistas, junto con Sonia Delaunay, aunque ella no se consideraba cubista, su obra se identifica por la estética, sus tonos pastel y las figuras esbeltas.
En los primeros años del siglo XX fue una figura importante en "avant-garde" parisino, siendo miembro del círculo al que pertenecían Pablo Picasso y los cubistas de la "Sectión d´Or", entre sus componentes encontramos a Robert Delaunay, Marcel Duchamp, Albert Gleizes, Francis Picabia... pero a Maria Laurencinno fue tomada en serio como artista por sus compañeros pintores, aunque realizaron exposiciones conjuntas.
En 1983, coincidiendo con el centenario de su nacimiento, gracias a un coleccionista y mecenas japonés se inauguró el Musée Marie Laurencin, en la ciudad de Nagano, Japón, convirtiéndose en el único museo del mundo dedicado a una mujer artista, en él podemos encontrar cientos de pinturas, acuarelas, dibujos, grabados y libros ilustrados.
Aleksandra Exter
También conocida como Aleksandra Aleksandrovna Ekster, nació en Polonia en 1882.
En el transcurso de su educación, estudió idiomas, música y arte, en la Escuela de bellas Artes de Kiev, allí conoció a artistas de la vanguardia rusa.
En 1908 se casó y se fue a vivir a París, donde Exter estudió un tiempo en la Academia Grande Chaumière, de ahí que sus primeras obras estuvieran marcadas por la influencia impresionistas de Paul Cézanne y el cubismo.
Más adelante expresó a la Academia su total desacuerdo con la visión artística de la institución por lo que fue expulsada.
El estilo deAleksandra Exter se hizo cada vez más radical y vanguardista, siguió con el futurismo, el cubofuturismo, el arte no objetivo con pinturas abstractas de paisajes, bodegones, el constructivismo, el trabajo escénico y la ilustración de libros, una incansable creadora.
A continuación os presento un vídeo con una exposición de las obras más representativas
Natalia Goncharova
La gran Natalia, nació en 1881 en Rusia, cerca de Moscú, una más de las pintoras que ha permanecido inexplicablemente en el olvido, una más de la lista de las desconocidas, válidas e importantes artistas ignoradas.
Su producción pictórica es ingente y muy variada y cruza sin complejos el diseño, el arte, la moda, la ilustración y el grabado.
En la casa familiar coleccionaban iconos y Natalia realizaba cuadros inspirados en esos iconos, personalizándolos a su manera.
Evidentemente tuvo problemas por recrearlos, ya que "los iconos solo los pintaban los hombres".
Cuando expuso su obra religiosa en Moscú fue ubicada en una habitación aparte de las demás obras, pero en San Petersburgo ni eso, la exposición fue censurada.
Una mujer como ella no encajaba en la Rusia imperial, considerada siempre una artista radical y no integrada en los circuitos artísticos.
No se le atribuye ningún estilo, y de encuadrarla habría que inventarlo, una especie de "todología" . Se interesa por todo y lo mezcla todo, tanto estilos como temas como fuentes, de ahí la invención del Rayonismo, que según decía la Natalia era la mezcla del cubismo abstracto y colorista con el futurismo.
A continuación podemos ver unos ejemplos de su "interés por todo" y un vídeo con un pequeño recorrido por su variada obra.
Exposición en el Tate Modern (Museo Nacional Británico de Arte Moderno) en Londres
Hace unas semanas me puse a revisar actividades para realizar este próximo curso, en las clases de plástica, del Colexio Andersen de Vigo y estuve investigando sobre como podría volver a trabajar con Piet Mondrian, pero de una forma distinta a otros años, para en primer lugar poder divertirme yo, si yo me divierto, me ilusiono y creo en lo que hago, los niños se divierten y aprenden.
En una de esas incursiones en internet, buscando información sobre Mondrian, me encontré con esta artista Hilma af Klintque no conocía, pero que me impresionó por como y que pintaba, además, según los investigadores fue la primera persona que invento la abstracción. Además era mujer, hay que pensar que en la Suecia de finales del siglo XIX a las mujeres se "permitía"que asistieran a la educación artística pero en otros países llegaba a estar prohibido su asistencia.
Me puse manos a la obra y empece a leer todo lo que pude sobre Hilma af Klint "mi fantástico descubrimiento".
Hilma af Klint era una absoluta desconocida hasta la primavera del año 2013 cuando el Moderna Museet de Estocolmo, le dedicó su primera retrospectiva, doscientas cincuenta de sus más de mil obras para dar a conocer a esta pintora.
Hilma exigió como última voluntad, que su obra abstracta no fuese mostrada al público hasta veinte años después de su muerte,"porque estoy segura de que no iba a ser comprendida". Pintó para el futuro y según Iris Müller-Westermann "el futuro es ahora".
La desconocida Hilma rompió con la figuración antes que Kandinsky, Mondrian y Malévich.
El propio Kandinsky se autoproclamaba sin rubor como el primer autor de un cuadro no figurativo, que habría firmado allá por el 1911.
Primer cuadro abstracto de Kandinsky 1911
Lo que Kandinsky no sabía es que unadesconocida pintora suecaHilma af Klint
se le había adelantado, rompiendo con el lenguaje figurativo por lo menos cinco años antes que él.
Primer cuadro abstracto Hilma af Klint 1907
"La obsesión por decir quién vino primero, no me parece interesante. Pero que ella pintara así, años antes que lo hiciera Kandinsky invalida los estereotipos sobre las mujeres artistas. Se decía que eran capaces de copiar, pero no de abrir nuevos caminos. Hildademuestra que es totalmente falso"
Iris Müller-Westermann, comisaria de la exposición.
Hilma af Klint nació el 26 de octubre de 1862 en Solna municipio de Estocolmo (Suecia), comienza sus estudios primero en la Escuela Técnica de Estocolmo y después entre los años 1882 y 1889 asistió a la Real Academia Sueca de las Artes.
Allí Klint realizó tanto retratos como paisajes de estilo naturalista.
Autorretrato
Hay un hecho fundamental en la vida y en el arte de Hilma af Klint, la muerte su hermana pequeña, marca el inicio en el espiritismo y la visión de lo oculto, de la que ya era aficionada, comienza a leer textos teosóficos, y se hace miembro de la Sociedad Teosófica, este tipo de intereses serán fundamentales en su obra.
Cuando estudiaba en la Real Academia Sueca de las Artes conoció a Anna Cassel y junto a tres amigas formaron el grupo De Fem ("Las Cinco"). Este grupo empieza a reunirse y a realizar sesiones de espiritismo, en las que utilizaban el arte y los dibujos como medios de expresión. Hilmaregistró los resultados de sus sesiones en en una serie de cuadernos.
Hay que destacar de Hilma su especie de doble vida artística, es decir, crea sus obras oficiales, retratos, paisajes de moda en la época con los que llegó a ser una pintora reconocida, y después estaban las que creaba en su intimidad, sus cuadros abstractos.
Creó estas obras sin bocetos sin ideas previas, de forma muy rápida, siguiendo los procedimientos del dibujo automático. Hilma afirmaba que en una de estas sesiones de espiritismo, un ser espiritual le indicó que debía pintarlas como si fuera un medium. Poco a poco, fue introduciendo en sus obras elementos simbólicos relacionados con el ocultismo, de difícil interpretación, que las colocaba en un plano de misterio.
A nivel pictórico, desarrollo un lenguaje abstracto geométrico, muy afín al que estaban practicando en ese mismo momento pintores como Mondrian, Malévich o Kandinsky, con el que según se dice no tubo ningún tipo de contactos.
A continuación podéis ver los videos de la presentación de la exposición de "Hilma af Klint, la Pionera de la Abstración" en los Museos:
Museum Hamburger Bahnhof de Berlín
Lousiana Museum
Para terminar.
Es interesante saber que igual que Hilma af Klint, Mondrían y Kandinski se interesaban profundamente por la teosofía, (movimiento filosófico-religioso-esotérico) es decir que la teosofía era algo que estaba de moda en aquellos años e Hilma era una más, que había incluido en su vida y en sus obras ese movimiento.
Para saber más.
En este vídeo podéis hacer un recorrido, muy bien explicado, de la vida y obra de Hilma por Sara Rubayo, Licenciada en Hª del Arte y en la página: https://sararubayo.es/
La Fundación Varkey entregó su premio al mejor profesor del mundo "Global Teacher Prize", conocido como el "Nobel de Educación", que recayó en la profesora Andria Zafirakou.
Esta profesora imparte clases de Artey Textiles en la escuela de secundaria Alperton Community School en el barrio de Brent, en el área metropolitana de Londres, uno de los más étnicamente diversos y pobres del Reino Unido.
El85% de los alumnos de Alperton no habla inglés en casa, y en totalen el centro se escuchan 35 idiomas. "A través de la Educación Artística, los jóvenes expresan sus preocupaciones, sueños y miedos. La clase funciona como una especie de terapia con la que la niños se enfrentan a su día a día y afrontan las situaciones complicadas que viven fuera del las aulas".
Según Andria Zafirakou, el arte trasciende el lenguaje y por esta razón, no solo les permite desarrollar habilidades, sino que también les ayuda a mejorar la confianza y autoestima que necesitan para cumplir diversos objetivos.
Adria considera que su curso de arte "es poderoso", "Ayuda a los estudiantes a desbloquear todas sus barreras idiomáticas". Ella nos dice "he conseguido que la clase de Arte sea un espacio de empoderamiento de los estudiantes, que no tienen que demostrar su dominio del inglés, matemáticas u otra asignatura para ser excelentes".
Una de las cosas más importantes en la educación es la imaginación, dedicación y esfuerzo.
Además cuando Zafirakou se percató que sus alumnos vivían en casas abarrotadas de personas y que tenían poco tiempo para hacer sus deberes, decidió cambiar el sistema del colegio. Amplió su jornada y logró que varios profesores dieran clases de apoyo los fines de semana.
Creó un equipo de críquet femenino y otro de boxeo. también organizó un coro musical somalí. E involucró a sus estudiantes en grupos de matemáticas.
Dice Adria, me imaginé que era uno de mis alumnos y se me ocurrió que si aprendiese unos conocimientos rudimentarios de los 35 idiomas que se hablaban en clase, cada mañana podía recibirlos con un saludo en su lengua materna y eso hizo que pudiese acercarme a ellos y a sus particularidades.
Pero quizá uno de los mayores éxitos está en la seguridad escolar.
Andria Zafirakou en compañía de agentes policiales, se sitúan a la salida del instituto, para protegerlos, de grupos del exterior, que se aprovechan de ellos al ser personas muy vulnerables ya que la mayoría eran recién llegados o que no se defendían bien en el idioma o en la nueva organización social.
Hoy voy a presentaros una actividad diferente para la clase de Educación Plástica, el "Cuenta Historias".
En el Cuenta Historias no se pueden utilizar ni letras, ni palabras, pero sí puntos, líneas, círculos, triángulos...
¿Pero qué es el Cuenta historias, sin utilizar ni letras ni palabras?
Si utilizan puntos por ejemplo, lo que tienen que conseguir es que cuando terminen el cuadro nos cuente algo o nos digan ellos que han querido contar, los puntos pueden ser grandes o pequeños, vacíos, llenos o de distintos colores, según sea el tamaño, la forma o el color de estos, la historia puede ser muy distinta.
Esto mismo pueden realizarlo con las líneas, con triángulos...
Vamos a practicar
Se les reparte a los niños el tamaño de papel que ellos se sientan más seguros y en él realizan su cuadro sobre el Punto, además podemos inventarnos un nombre "elPuntismo".
Ahora van a realizar el Cuentarte con líneas.
¿Y cómo pueden ser esas líneas?como en el cuadro del Punto, de todas las formas que quieran, finas, gruesas, largas, curvas, rectas, onduladas... y además puedes inventar líneas.
E igual que con el punto al finalizar el cuadro podremos interpretarlo nosotros o que nos cuenten lo que han querido decir.
Vamos a soñar formas nuevas
Según los niños vayan encontrándose más seguros podemos "jugar soñando" nuevas formas, como el triángulo o el círculo (Pequeño, grande, uno dentro de otro, uno cortando al otro...) e introducirlas con los puntos y líneas y así seguir soñando.
Tener en cuenta que podemos trabajar en superficies rugosas, lisas, pequeñas o grandes.
No os olvidéis de jugar con el collage (de telas, madera, cuerdas, cartón...), temperas, tizas, colorantes...
Y para que sea más divertido podemos pintar-jugar-soñar en grupo cooperativo, tres o cuatro niños tienen que llegar a un acuerdo de que forma realizar el cuadro, materiales a utilizar... y lo firmarán todos como autores.
Un día al llegar a clase de Plástica en el Colexio Andersen, sin avisarles, comencé a leerles el siguiente texto de Julio Cortázar de su obra "Historias de cronopios y famas".
Un cronopio pequeñito buscaba la llave de la puerta de
calle en la mesa de la luz, la mesa de la luz en el dormitorio, el
dormitorio en la casa, la casa en la calle. Aquí se detenía el
cronopio, pues para salir a la calle precisaba la llave de la
puerta.
Lo escucharon, pero al terminar, no daban crédito de lo que habían oído.
Me miraron, se miraban.
Un momento.
Como ahora ya habéis oído el texto voy a leéroslo otra vez, para esto vais a cerrar los ojos y solo escucháis, imagináis y soñáis.
Al terminar la lectura, vuelven a mirarme, no entienden nada, de que va aquella historia y por qué se la leo.
Carmen y Daniel me preguntan
¡Cronopio!, pero¿qué es un cronopio?
¿Qué es para vosotros?
Y a partir de esa pregunta abrimos un coloquio en la clase, al final del mismo cada niño podía imaginar su Cronopio. Ya podían ver qué forma podría tener ese "ser"pequeñito que buscaba la llave de la puerta...
A tener en cuenta
Algo muy importante que hay que transmitir a los niños es que ellos van a ser los dibujantes, artistas, escritores y que el resultado nunca estará mal, será su dibujo, su escultura y su historia.
Sé que este es un objetivo difícil debido a las comparaciones que harán entre ellos.
NOTA: No he puesto ningún dibujo, figura, imagen... para que cada uno deje volar su imaginación sin ninguna influencia externa.
Puesta en práctica
1ª fase
Después de escuchar la lectura y participar en el coloquio, cada uno realiza un dibujo lo más detallado posible de su cronopio.
2ª fase
Cuando ya tenemos el dibujo terminado, vamos al aula de plástica y, a partir del diseño, realizamos un Cronopio en volumen, el tamaño, forma y color que queramos.
3ª fase
Cuando ya tengamos nuestro Cronopio terminado, (digo nuestro porque todos posiblemente serán distintos), vamos a crear, una historia imposible, surrealista, que no tenga pies ni cabeza, pero que sea la historia de nuestro cronopio.
Para saber más
Este libro "Historias de cronopios y famas" es distinto, diferente, particular, puede abrirnos a un mundo de ideas inesperadas, es una obra que nos invita a jugar con el lenguaje, con las palabras a perderles el respeto o mejor el miedo para hacerlo tuyo y así empezar a crear, por el placer de crear.
Así contestó Julio Cortázar cuando le preguntaron ¿qué es un cronopio?
A partir de un viaje a Roma de Sara, una alumna de 3º de primaria, delColexio Andersende Vigo y después de contarnos su experiencia, como de una película se tratase, los niños le hicieron muchísimas preguntas, que ella contestaba con mucho interés, pero, Sara tenía una pregunta que no encontraba respuesta:
¿Cómo pudieron pintar los techos tan altos de la Capilla Sixtina?.
Esta pregunta me dio pie para contarles; quien había sido el artista que pintó el techo de la capilla, quien le encargó pintarlo, que era la Capilla Sixtina y ademásrealizar una actividad práctica.
Primero comencé con la vida historiada de Miguel Ángel Buonarroti (Michelangelo Buonarroti) que nació en un pueblo de Italia, Caprese en 1475, que cuando era un niño, su padre le hizo estudiar gramática en Florencia, pero él quería ser artista y al final de muchas discusiones con su padre, a los doce años, consiguió que su familia formalizara un contrato de tres años en el taller de pintura de los Ghirlandaio.
Después estuvo como aprendiz en el taller del escultorBertoldo di Giovanni y así siguió formándose como escultor, pintor y arquitecto, toda su vida la empleó en su formación.
A continuación les pongo este pequeño vídeo de la vida de Miguel Ángel
Pero cómo pintó la Capilla Sixtina
El papa Julio II creía que Miguel Ángel era capaz de hacer cualquier trabajo y le mandó pintar el techo, labóvedade la capilla. "Pero yo no soy pintor", Michelangelo protestó, "soy escultor. Con pincel he hecho muy poco y !quiere Vd. que pinte mil metros cuadrados sobre un techo curvo¡"
Miguel Ángel y el papa Julio II
"Harás un magnífico trabajo", le dijo Julio II, que era un hombre muy duro, más parecido a un comandante militar que a un papa, y no quería oír protestas.
Miguel Ángel se fue a casa con gran preocupación y después de mucho pensar, se dijo "Aunque nunca he pintado al fresco, tendré que aprender la técnica".
Vídeo de la técnica de la pintura al fresco
La pintura al fresco requiere un gran esfuerzo físico. Todos los días, el artista tiene que preparar su mezcla de yeso y arena y aplicarla en la pared con la llana y paleta, y luego darse prisa para pintar.
Debe acabar la pintura antes de que se seque la mezcla. Y pintar un techo es doblemente difícil, porque todo se hace encima de la cabeza, además a veinte metros de altura, sobre las tablas de los andamios y mirando siempre hacia arriba.
En una carta a un amigo, dibujó una pequeña caricatura de sí mismo mientras pintaba. Tiene la cabeza echada hacia atrás y eso le producía fuertes dolores.
Por eso tuvo que elegir otra posición, más cómoda y más sana, el estar acostado en el andamio y pintar sin doblar el cuello, aunque tenía otros problemas, le podían caer gotas de pintura en la cara o en los ojos.
Cuando Michelangelo llevaba trabajando dos años, desde 1508 a 1510, el papa Julio II le ordenó que quitase los andamios para abrir al público la capilla y así admirar su obra. "No puedo", dijo Miguel Ángel. "Todavía no he terminado".
El papa le dijo "o quitas los andamios o te arrojamos de aquí". No era broma. Y Miguel Ángel tuvo que obedecer.
La capilla se llenó de gente y corrió la voz que las pinturas eran la cosa más asombrosa jamás vista.
Miguel Ángel volvió a montar el andamiaje en enero de 1511. Y en un esfuerzo titánico logró terminar la otra mitad de la bóveda el 14 de agosto para que el papa Julio II celebrara la primera misa en la capilla que mandó construir su tío Sixto IV.
(El papa Julio II era sobrino de Sixto IV, que anteriormente había sido papa, y además fue el que ordenó la destrucción de la Capilla Magna del siglo XIII, para construir en su lugar la Capilla, que se le llama Sixtina en recuerdo a Sixto IV.)
Todavía quedaban por pintar, las pechinasy loslunetos, Miguel Ángel no los terminó hasta octubre de 1512. En total la bóveda fue obra de cuatro años y medio.
El trabajo práctico
Después de contarles la historia y que viesen el pequeño vídeo de Miguel Ángel, les entregué una hoja A4 o A3 según como ellos quieran y una cuartilla de papel reutilizado.
Lo primero que tenían que hacer es sujetar una de las dos hojas,debajo de la mesa.
Después diseñar un boceto en la cuartilla, se ponen a pintar en la hoja que colocaron debajo de la mesa.
Y aquí empezaron una serie de quejas, algunos niños decían: "esto es difícil", "me duele e cuello", " me duele el brazo",... después de buscar la mejor posición para pintar y no cansarse,
descubrieron que echados debajo de la mesa, era la forma más cómoda, no dolía el cuello y era más fácil de pintar.
Ahora tenían conseguir que la pintura no gotease y así no manchase la cara y los ojos, algo que les preocupaba muchísimo, enseguida vieron que si tenían cuidado al coger pintura con el pincel, no goteaba.
Y por último tenían que quitar su cuadro de debajo de la mesa y colocarlo en un lugar de la clase o del pasillo donde todos lo pudiesen ver.
Fue una experiencia que les interesó y en la que se divirtieron muchísimo ya que estaban utilizando una posición inusual en su vida y eso rompe esquemas.
Esta experiencia les sirvió para imaginarse lo que le pudo costar a Miguel Ángel pintar esa enorme superficie en el techo de la capilla.
Para ampliar
Miguel Ángel, una Super Estrella, documental del canal Historia
El tormento y el éxtasis
Sinopsis
Cuando el papa Julio II le encarga que pinte el techo de la Capilla Sixtina y comienzas una serie de discusiones uno no quería y el papa le obligó a pintar. muy interesante.
Drama histórico basado en un libro de Irving Stone.
La agonía y el éxtasis. Irving Stone Editorial Salamandra
Biografía novelada de Miguel Ángel Buonarotti. La narración nos conduce hasta la Italia del Renacimiento, época en el que arte florecía bajo el mecenazgo de poderosas familias de príncipes y papas.
La Capilla Sixtina Vittorio Giudici Edicioni Musei Vaticani
Libro para niños, cuenta la historia de su construcción y de su decoración. Muy ilustrado
Una forma diferente, dibujando la vida de Miguel Ángel
